艺术到底怎么了

未来行业竞争越来越大，淘汰越来越激烈，艺术生到底该怎么规划，才能不会被时代甩下？听说一个很多人还没真正意识到的变化，现在留学已经不只是一个挑一所名字响亮的学校了， 学校虽然重要，在当下的环境里，专业的重要性至少已经和学校处在同一层级，甚至会成为决定你未来走向的关键因素。如果从长期发展来看，可以抓住两个核心的方向。第一个呢，就是优先考虑艺术家设计的交叉学科专业路径， 如交互设计、服务设计、数字媒体、人机交互这些方向。这些本质上都是在艺术能力之上增加了技术工具和系统思维。这类专业本身就站在产业升级的交叉点上，就业面更宽，抗风险能力更强。 所以专业选择的时候，一定要看他和技术和行业的结合度到底有多深。第二个呢，既不要过度焦虑，也不要排斥 ai， 因为向国外的专业发展和行业变化是高度同步的， 包括这两年，几乎所有的院校都在不断的开设新专业，调整课程结构。我在伦敦时装学院就读买手专业的学生就已经开始学 ai 算法了，课程设置有非常明显的 ai 向的转变，这并不是学生自己应去转向， 而是学校已经根据时代的变化重新定义了这个专业的角色，这也是国外艺术教育非常重要的一点， 你不需要一个人去想 ai 时代，我该怎么办呢？学校会通过课程的直接告诉你这个专业现在如何定位自己， ai 在 其中应该扮演什么样的工具角色？如果对选专业还有疑问，私信我帮你规划路径。

有个事情我想说很久了，我觉得大家对艺术有时候有一些误解，我发表一些自己的拙见，在我看来，所有的艺术几乎都起源于三个内容， 第一个内容就是对生命的思考，尤其是大家常常说，哎呦，无法理解的行为艺术。很多人们都觉得行为艺术他妈纯纯在做秀吗？在我看来，包括阿布拉诺维奇在内的很多，这些行为艺术最重要的一点 就是共鸣，一千个人眼中有一千个哈姆雷特，就像前段时间特别爆火的一个哎，从椅子上不停的滑落下来，哎，然后又坐起来，又滑落下来，然后又不停的坐起来的。这样的一个行为艺术，有的人就觉得是什么呢？你在这个工作岗位上，你就算不断的从这工作岗位上滑落下来，你也得重复的做回你的工作岗位上。 哎，有的人觉得说你就算是不停的失败，你也得重新的走回人生的正道上。每个人他的理解都是不一样的，那行为艺术只是提供了一个平台，也许某一天你回想起这个作品， 给了你一些思考，也许只是你当下产生了一种情绪上的反应，这都是这个艺术的传达，不一定非得是探讨某某某主义才叫做艺术，而是这个作者对于生命的一种思考，而看的人其实也是他的作品的一部分，其二 就是对大自然拙劣的模仿。哎，前段时间啊，我就去海边淘了一堆这个海胆，哎，我淘这个海胆的时候，我定睛一看，我瞬间就想到了一位艺术家，我拿来给你们看一下，没错，就是草间弥生啊， 也许他的艺术灵感不一定是来自于海胆，很多艺术家终其一生都在想方设法的还原大自然，感受大自然包括对于物理规律的表达，就像肚上的下楼梯的女人。第三 个人情感的表达，很多人都说啊，哎呀，这个艺术我完全无法理解。这其实是很正常的，因为很多艺术家他创作这个作品并不是给别人看的，其实就是他突然有了一种情绪，我这个必须把这个情绪 具体化成一个艺术内容，就像一个日记，他只是一个情绪的记录，其实就是想表达一些他的感受，如果你有同样的感受，可能你会觉得，哦，他表达的感受我知道，如果你没有过同样的感受，你可能就觉得， 嗯，他在干什么？这也能叫艺术？就会有这样的感觉？听我说了这么多，现在你们觉得艺术到底是什么？

作为中国音乐剧的观众，很多人在看了国外的一些音乐剧之后，再看国内的就会觉得被割韭菜，这个完全能理解。我看评论区，大家觉得被割韭菜的有这么几个点，一个是故事逻辑的混乱，题材没有新意，蓄势能力弱，舞美没意思， 思想老套、歌不好听等等，这些问题都很难让人接受，这是一部音乐剧最起码应该做到的。那我们花了钱来支持中国音乐剧，不给我们吃戏康也就算了，有些剧他的票价还真的不便宜， 次次被创，那谁能不伤心呢？没信心这也是正常的。但今天我想说到底我们的音乐剧是不是真的在割韭菜？ 我是接触过一些创作团队跟制作团队，那说实话，很多人还是很有情怀的，他们有很大的热情，想做出一些东西，传达一些思 想，这个情怀也恰恰就是问题之一。正是因为这个情怀，小题就被固化了，没法创新，也没法商业化。 你说他不想好好做吗？绝对不是，只是说代际之间没法对话，互相不能理解。每一个时代的导演都在用自己那个时代的语言向观众表达年轻观众跟老一辈的 情感，根本就没有共鸣，经历不一样，三大战役看着是很惨，但是没有办法感同身受。音乐剧也是一样，自己做出来觉得还不错，但观众却不动心，还觉得被割，这是一个主观因素。那还有一些客观因素， 很多演员他并不能满足音乐剧的需求，不够全面，即便演员很努力，观众还是觉得这歌这个确实是一个难题，能够满足像欧美那种要求的音乐剧演员确实是很少。国内的音乐剧教育体系发展的比较晚，比较缓慢，那培养人才，它是一个系统 工程，毕竟要有人先来过渡。这就出现了很多美声、民歌、流行转过来的演员，如果跟欧美去比， 那是有点太苛刻了，多数演员能唱不能跳，能跳不能演。大家觉得中国人多，这样的人会少吗？不是的，就是很少。当然了，通过一些时间的系统培养，一定会有的，质量也会越来越好的。 那这些原因我们的观众应该给予理解，谁能生出来就会跑。但是呢，由于编剧等其他的一些成熟因素造成的难看，就不能容忍了。 有些剧可能是为了压缩成本，出来的东西就没有质量。还有一些剧纯粹就是为了完成任务，或者是给自己搭建政治平台，这个是能说的吗？这种剧大家就真的不要去看了，纯粹的割韭菜。所以呢，我们得理性客观的去看待这个问题， 期待还是要有的。我们现在音乐剧行业存在一个恶性的循环，演员很努力，出品方赚不到钱，观众花钱坐牢。这个问题要解，还得多听观众的声音。我总结了一下，大家想得到改善，请制作单位也认真考虑，比如轻松的剧情， 华丽的舞美，加上好听的音乐，如果预算有限，有一样能做的比较好也行，起码有一个点是大家觉得值回票价的 也够了，艺术质量跟商业价值得两手抓。那这样我们一定会继续支持国剧的发展。被骂不怕，就怕没能力改，那希望不要再有这种为了做音乐剧而做的音乐剧，欢迎进入黑白无常的舞台世界，带你探索舞台上的万千人生。

你以为艺术史是一部大师们越来越绘画技术越来越牛的进步史吗？如果告诉你，这整部历史 可能是一场持续万年的关于我们到底想看什么的惊天误会呢？今天，我们睡前速读共不厘系的艺术的故事，把那些关于年代流派、生卒年份的枯燥清单扔到一边。 共不李希这位艺术史界的扫地僧，用这本书干了一件事，他给了你一套解码艺术的终极算法，他不是在告诉你这是什么话， 而是在训练你怎么去看话，以及更关键的理解为什么这个时代的人要这样去看世界。这本书将彻底撕下你对古典就是牛逼，现代就是乱搞的标签， 让你站在每个时代的十字路口，亲身感受那些天才为何要离经判道。第一章起源的魔法艺术始于有用，而非好看。故事的开头不在华丽的宫殿，而在黑暗的洞穴。三万年前的猎人在岩壁上画下野牛， 它们是为了艺术，是一种巫术。画下它是为了在精神上捕获，它， 是为了生存。艺术的核心动力从诞生之初就不是美，而是功能与观念。古埃及人把人画成侧面脸、正面肩、侧面腿的奇怪组合，不是因为他们不会画，而是因为他们要画一个完整的、清晰的、便于灵魂识别的概念人， 而不是某个角度的视觉。瞬间理解了这一点，你就拿到了第一把钥匙。看艺术，首先要问的不是它美不美，而是它想干什么。图，解释思维的强大惯性 共布里希用了图示与修正这个核心概念来展示艺术家最初都是依靠前人传下来的图示，比如怎么画一棵树、一张脸来创作的。古埃及艺术建立了最稳固的图示，几千年不变。 而艺术史的眼睛就是天才们不断修正旧图式，以匹配新时代观看要求的过程。 希腊人修正了埃及的僵硬，使其更自然。中世纪又为了宗教目的，修正了希腊的自然，回归更象征性的图式。每一次修正都是一场观念的革命。第二章，希腊的觉醒与中世纪的转向，看见与相信的拉锯战 然后古希腊人来了，他们做了件石破天惊的事，开始相信自己的眼睛。他们不再满足于画知道的东西，而是尝试画看见的东西。 雕塑开始出现重力作用点的转移，绘画探索短缩法，艺术开始从概念图解向视觉幻觉迈进。 但共布里西提醒我们，这不是简单的技术进步，而是整个社会观念变了，人开始成为万物的尺度。 随后中世纪一脚刹车。基督教统治欧洲，艺术的最高任务不再是模仿肉眼所见的世界，而是描绘肉眼不可见的神圣秩序与教义。于是绘画变得平面金色，背景人物大小按地位决定。 这不是倒退，而是要求变了。艺术从为人眼服务转向为神学服务。你会发现，一部艺术史就是一部人类观看世界的需求变迁史。第三张，文艺复兴的镜子与巴洛克的戏剧科学入化，情感上位。 文艺复兴不是一个突然的复兴，而是一场蓄谋已久的视觉革命。布鲁内莱斯基的透视法让绘画成了一扇可以走进去的窗户。 艺术家不再只是匠人，他们是研究光学、解剖学的科学家。达芬奇的蒙娜丽莎那神秘的微笑背后，是无数层极其微妙的运图法，是科学观察的极致。 艺术的目标变成了征服视觉，在二维平面上创造一个足以乱真的三维世界。但很快，人又不满足了。巴洛克时代到来，光靠画的像已经不够刺激。 贝尼尼的雕塑、卡拉瓦桥的绘画，要的是戏剧性、动感、激情和炫目的光影效果。艺术从呈现一个完美的静态世界转向捕捉一个充满张力的动态瞬间，他开始主动调动观众的情绪，像一场舞台剧。贡布里西在这里点名， 每一次风格的巨变背后，都是社会趣味、哲学思想和观众情感需求的集体转向。 伦伯朗之光对心灵的透视以伦伯朗为例，他的晚期自画像技术上的精确描写已退居次席。他用厚重颜料堆砌出的在幽暗背景中仿佛自行发光的面容， 探索的是光线如何揭示人物的内心状态与岁月沧桑。这标志着一种更深层的现实主义，不仅是外形的真实，更是心理与精神真实的诞生。 巴洛克艺术在旋即之下开启了通往现代艺术表现主义的大门。第四章从印象派到现代主义，画什么？让位于怎么画？十九世纪照相机出现了， 当机器能一秒完成画的像这个任务时，绘画的生存危机来了。印象派做出了最天才的回应，既然你比我像，那我就比你真。我画是觉得真实。莫奈画的不是睡莲，是光在睡莲上的瞬间，印象 色彩从物体上解放出来，笔触变得清晰可见。绘画的主题从客观物体转向了主观感受，由此，潘多拉魔盒被打开。如果绘画可以只是色彩和笔触的和谐，那为什么一定要画具体的东西？ 赛上开始用几何体结构自然为立体主义铺路。梵高用扭曲的笔触表达内心的风暴，艺术彻底走上了离经叛道之路。贡布里希引用了书中最锋利的观点之一，低首庸才仕途， 循规蹈矩却一无所获。而艺术大师离经叛道，却能获得一种前所未闻的新的和谐。毕加索、马蒂斯、康定斯基， 他们不是在瞎画，他们是在探索绘画最本质的元素、形式、色彩、线条所能构建的全部可能性。艺术的命题从如何更好地描述世界，变成了绘画本身是什么？第五章实验艺术与我们的当下 艺术还有故事吗？来到二十世纪中后期及当代，艺术的故事似乎变得难以阅读。 路上把小便池搬进展厅，沃霍尔复制罐头。博伊斯宣称人人都是艺术家，艺术似乎变得什么都是，又什么都不是。公布里希没有给出简单的评判，他提供了一个更高维的视角，这正是艺术史逻辑发展的结果。 当观念彻底压倒技术，当提问比答案更重要，艺术就变成了一个哲学现场。他不再为你提供美的享受，而是强迫你思考艺术的边界在哪里， 什么是原创？什么是价值。我们干的是惊天动地的事，做的是隐姓埋名的人。这句被广泛引用的话，精准地描述了现代艺术家的状态，他们颠覆传统，却不再追求古典意义上的个人英雄主义，是刘明。 他们的作品本身就是宣言、忠章、等待与希望。在故事的尽头，我们获得看的方法。 合上这本近六百页的巨著，你获得的不是一堆知识点，而是一种眼光。共不里西用全书论证了他开篇的核心，整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史， 而是观念和要求的变化时。你再去博物馆，站在一幅画前，你不再只会说好看或看不懂，你会本能地开始思考 它诞生在什么时代。那个时代的人相信什么，害怕什么，渴望什么？这位艺术家面对的传统是什么？他又想突破什么？他使用的新语言在当时究竟多离经盼道？ 艺术的故事最终教会你的是一种深度的共情能力，与历史共情，与时代共情， 与艺术家在创作那一刻所做的艰难抉择。共情。它让你明白，艺术没有永恒的标准，只有不断迂回改变的传统。它消解了傲慢，带来了理解。它让你在面对最先锋、最怪诞的作品时，也能平静地说，让我看看 你想讲一个什么样的新故事。所以，这本书是关于艺术的故事，更是关于人类如何不断重新定义现实、定义真实、定义意义的故事。它给你的不是答案，而是一把能打开所有门的万能钥匙。 记住，重要的不是记住所有故事，而是获得讲述和聆听新故事的能力。

学了艺术的孩子和没有学艺术的到底有什么不一样？我觉得两点不一样，一是感受的敏感度，还有就是观看的视角。学艺术的孩子，他的感受器官完全被打开了，会变得很敏感，他用眼睛在看，在观察，他知道形状、造型、构图，他用手去触摸材质的不同，肌理、质感、比例，他用心去感受 故事、画面、色彩、空间、秩序等等。他拿到一个东西的时候，他不会只说这是什么牌子的，这个多少钱，他会摸一摸，体会它的质感，感受它边缘的光滑程度，他会去想那种造型、颜色、秩序感等等。 学了艺术的孩子，在观看一个物体的时候就会多一些维度，他的感受就会比其他人更敏感。第二个是观看的视角不同， 觉得这源于艺术的创作方式。拿绘画来说，先观察、观察自己，观察周围，观察社会。每个艺术家都有他们看世界的角度，他们之所以区别于前人，能够被我们记住，能够被艺术史留下，都是因为他们有自己的看待世界的角度。每个艺术家 他们的角度都不完全相同。我们说莫奈、玛蒂斯、夏加尔，还有住上，因为角度不同，你能看到别人看不到的区别、差异与不同。 学艺术的孩子，他要思考他的视角是怎样的，别人的视角是怎样的，他应该如何看待这个世界，去旅游，见过山川大河，去美术馆看过很多真迹，看待这个世界具备了更多远的观看。观，我觉得这个是学艺术，能够给孩子更多远的观看视角。

还看网友都说了，你画画的啥都不像，哎，关于这个问题，我要发个声明，我要发个声明。对，发个声明。 关于社区艺术家对我的评论，我方做出以下回应，一、画上怎么画是我方的内政，任何组织和域外势力无权干涉。二、 对画的不像的问题，我方对此不承认、不接受，并对社区艺术家表示强烈不满， 由此引发的一切后果由对方负责。三、谈，打开大门打，奉陪到底， 蹲处对方，格守底线，勿言之不语也。四、建议对方建立加强护栏，勿相向而行， 重回正轨，建立艺术命运共同体，建立崭新的良好的艺术氛围。

很多姐妹们总问我，学艺术到底能干嘛？其实艺术教育不是为了未来能够成为画家，而是让他们学会创造，思考力、表达力、创造力、审美力，这些能力才能让他们终身受益。当他面对一张白纸的时候，他必须去想， 必须去尝试，必须去表达，这就是最终的一个独立思考。所以我常说，艺术课他不是兴趣班，而是教会他们怎么样去看待世界， 怎么样去想问题，怎么样用自己的方式去表达情绪。学艺术也不是为了成为艺术家，而是为了成为一个更有感知力的人。

很多家长会觉得画画呢，未来的就业范围会不会窄？实际上刚好是相反的。这美术行业未来的就业方向是非常的广泛的。比如说像我们接触到的建筑设计师、室内设计师、室外设计师、桥梁设计师，还有园林设计师、 景观设计师、环境艺术设计师，还有一些影视设计、网页设计、数字媒体设计、珠宝设计、服装设计等等一系列的。包括现在的就是 ai 设计、建模啊，这些都是需要美学基础去支撑的， 美术的实用性是非常强的，对他的人生来讲相当于一个加分项。我这里也有一些成人的学生，本职工作不是美术的美术专业的岗位，但是呢，他学了美术专业以后呢，给他的工作带来更多的一些便利。比如说我之前有一个学生，他是会计专业的， 他们公司是做包装的嘛，有时候就会跟他的老板建议，就比如说包装上有哪些地方提出他自己的一些看法，就是老板都很认可他的一些想法，后面也是给他加薪了，还是挺实用的。像我这边的学生 啊，有从小学一直学到大学的，就是包括成人的，也有他们的就业范围实际上也有很多很不同的岗位的，就比如说现在有些学生是在学校里面做美术老师的，也有一些是在嗯美术机构做老师的， 还有一些是做数字媒体设计的，甚至还有就是书籍书籍、装置艺术，这些 都有做相关的一些专业。美术的实用性其实是很广的。呃，现在国家也是提倡大力培养美育人才， 未来其实很多岗位是跟美术都有相关的，现在就是很流行的那些 ai， 很多家长就会觉得很焦虑，他说，嗯，老师现在有 ai 了，那未来学美术啊，还会有就业渠道吗？ ai 会不会代替掉美术？ 实际上这个焦虑都是多余的，因为 ai 呢，它只是一个工具啊，我觉得人的思想和审美 才是 ai 永远代替不了的，这个是非常肯定的，因为未来的社会啊，不是说机器去主导人类，而是要靠一些高认知的一些美术人才去主导 ai， 人工智能去怎么样在人的这个需求，审美需求的基础上去创造一切可能， 为大家的生活带来便利。其实美术对人的作用的话，还有很多方面，一个是审美的提升，认知细化到生活中的点滴的话，穿衣搭配，包括一个人的发型形象，就是从自身来讲的话，都是有很多影响的。 再到就是大家肉眼能看见的每一个物品其实都跟美学息息相关的，都是由美学基础的人设计出来的。 首先这个产品要上市的话，那肯定要经过产品设计师的设计才能去被大家，大家的大众美学接受。居家的话呢， 像自己的家居的搭配啊，包括小到窗帘的搭配，沙发的搭配，家具的色调统一，其实生活无处不存在美学，点点滴滴都是跟美学相关的。 其实一个人有美学基础，他的呃审美啊，衣着品味啊，生活品味啊，谈吐啊，还有一些眼界都是不一样的。 有一个学生，呃，从小学的时候在我这里学的美术，然后呃，到了大学的时候呢，他就利用课余时间去呃给人做那个 cosplay 的 化妆，有的人脸比较胖， 他怎样运用化妆的方法去打阴影，留高光，去让这个人的脸显得更精致。这些就是美术里面的素描基础，其实美术呢，已经方方面面渗透到了我们的生活中去了，所以说大家觉得学美术到底重不重要呢？