《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第432位 格蕾蒂丝·奈特与派普斯合唱团《开往佐治亚州的午夜列车》 Gladys Knight & The Pips - Midnight Train To Georgia 视频素材来自官网,文稿撰写、歌词翻译、剪辑:声轨锈斑。 这首歌以一位有情有义的女士的角度出发,讲了一位事业失败即将回家乡佐治亚的男士的故事,这位男士虽然追梦失败,卖掉全身家当才够得上回家的车票,但该女士对他不离不弃,甚至唱出了“我宁愿活在他的世界,也好过我的世界里没有他”这种,现在看来三观不太正确的歌词,我觉得这位男士赌场失意情场得意,还是蛮幸福的。当然,各位打拳的男选手或者女选手也不要太激动,这首关于失败、故乡与无条件接纳的深情情歌,最早的版本,其实性别是颠倒的。歌曲的原版是一首民谣歌曲,叫做《飞往休斯顿的午夜航班Midnight Plane to Houston》,讲的是女生去休斯顿,而男生对她誓死追随的故事。 时间拉回到1973年,格蕾蒂丝·奈特带着她的派普斯合唱团决定离开巨星云集的摩城唱片,尽管摩城唱片的创始人贝里·戈迪说:“格蕾蒂丝的歌声堪称一绝,她有着南方人特有的温暖魅力,唱腔中融合了乡村灵魂乐的韵味,还带着福音音乐的感染力。”,但任何时候漂亮的赞美不花钱,唱片销量直接决定你在公司和舞台的地位,在格蕾蒂丝·奈特前面,有诱惑合唱团、四顶尖合唱团,戴安娜·罗斯和至上女声合唱团,她觉得自己是领养的孩子,摩城唱片并没有给予他们太多的关注。宁做鸡头,不做凤尾,七年之痒的合约到期后,他们转投纽约的佛陀唱片。佛陀唱片没有太多钱 ,但更愿意把精力放在他们身上,也愿意让他们有更多的自主权,在这样的情况下,格蕾蒂丝·奈特和派普斯合唱团选择改编吉姆·韦瑟利的乡村民谣《飞往休斯顿的午夜航班》,歌词改动不大,休斯顿改成佐治亚,飞机改成火车,歌曲的名字改成了,《开往佐治亚州的午夜列车》。在编曲上,歌曲叠加了管风琴、铜管乐、弦乐和钢琴的伴奏,原本温柔舒缓的乡村民谣,摇身一变成为一首气势磅礴的节奏布鲁斯情歌,当然 ,更完美的,是格蕾蒂丝和派普斯合唱团之间默契十足的互动演唱,格蕾蒂丝8岁开始就和派普斯合唱团(其实就是她的表兄妹)合作,20多年的磨合期,让这首歌的每一处都恰到好处。格蕾蒂丝用带有福音音乐质感的沙哑嗓音奋力演唱,派普斯合唱团用简短的呼应穿插其中,衬托深情,又中和情绪
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《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第431位 胖子·多米诺《这真丢脸》 Fats Domino - Ain't That A Shame 摇滚乐诞生之初,满是情欲的躁动、喧嚣的嘶吼,还有无政府主义的狂热节奏,胖子·多米诺却显得格格不入:和猫王约会,从开场到散场大抵都囿于彼此的臂弯方寸;和小理查德或杰瑞·李·刘易斯彻夜狂欢,多半会让你锒铛入狱;可要是和胖子·多米诺结伴,你们的行程大概只是一起开开心心吃几块猪排——你要知道,论传递喜悦与欢愉的功力,没人能比得上胖子·多米诺,而对他而言,快乐是与生俱来的本能。 胖子·多米诺的成名法宝其实很简单,钢琴演奏狡黠灵动、悠然自得,将爵士乐与布基伍基风格糅合得天衣无缝;温暖随性圆润的男中音,拖腔转调间仿佛能把一个词唱得九曲回肠。1955年,多米诺创作并且发行的这首歌,被认为是摇滚乐萌芽时期的标志性作品,歌曲采用十二小节布鲁斯和弦进行,钢琴是它的灵魂。多米诺的左手弹奏出连绵起伏的布吉伍吉低音旋律线,构成整首歌的基座;右手则以旋律性的即兴片段与和弦,赋予乐曲灵动的节奏跃动感。高低音区的巧妙交织,营造出驱动身体舞动的强劲动力。虽然他自己的这个版本的最好成绩只在公告牌排名第十。但几个月后发行的,帕特·布恩(Pat Boone)的翻唱版本登上了榜首,他的销量是原版的十倍,并且把这首歌推向了更多的白人听众。而滚石杂志,显然更愿意把这个荣誉送给销量略输一筹的原作者。 《这真丢脸》自发行几个月后就开始被翻唱,70多年过去了,当然有无数个版本。一首歌的两种味道:在任何时候,约翰·列侬的翻唱版本总是有优先权的。我们在音频版加入了列侬谈论这首歌的原声,在此翻译如下: 这首歌对我而言意义非凡。我录制了《Ain't That A Shame》这首作品 —— 其实胖子·多米诺的好多歌我都想翻唱,但最终选了这首,是因为它和我的母亲有关。在我尚未成名时,她就不幸离世了。是她教会我弹班卓琴,也是她给我买了人生中第一把吉他。而《Ain't That A Shame》,正是我学会的第一首歌。 要知道,在摇滚乐诞生之前,在我真正踏入摇滚圈之前,我就翻唱过约翰尼・雷(Johnny Ray)这类歌手的作品,还有当时流行的各种歌曲。但这首歌不一样,它是我第一首既能唱、又能自弹自唱的歌。曲子本身特别简单,或许这就是当初我能学会它的原因。它承载了我太多回忆,我也正是因为这个
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《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第435位 滚石乐队《牛马》 The Rolling Stones-Beast Of Burden 视频素材来自官网,文稿撰写、歌词翻译、剪辑:声轨锈斑。视频前半段文字为歌词翻译,后半段为相关解读。 1977年的下半年,滚石乐队入驻巴黎EMI的录音棚,开始筹备经典专辑《Some Girls》时,乐队正面临着内忧外患,这一年,乐队双子星之一吉他手基思·理查兹因为涉毒在加拿大被捕,面临最低7年的刑期,而在整个大环境中,朋克音乐和迪斯科音乐全面冲击主流音乐市场,乐队如何续航能否继续存在令人怀疑。在这个时刻,乐队给出了坚定的态度:"要比朋克更朋克",为了回归本源的音乐风格,滚石乐队选择在录音期间不使用任何外部乐手,而是选择收录五位核心成员现场演奏的声音。《牛马》这首歌就是在这样的情况下完成的,当然按正常的翻译,应该是“负累之兽”、“负重的动物”。先是基思·理查兹构思出其充满灵魂味的和弦结构,想出了这个歌名。他在后来解释说,自己在被药物控制的那些年里成了主唱米克·贾格尔的负担,他要感谢米克在他深陷毒瘾困境时维持了一切正常运转。现在他已经准备好回归,再次承担起自己的责任,而填写了主要歌词的贾格尔在之后笑着否认了这一点,他认为,歌词是在坚决地向一位坚强独立的女性发出呼吁,同时承诺自己的谨慎和体贴。 关于歌曲本身, 整体氛围松弛、性感而迷人。基思·理查兹和罗尼·伍德的双吉他演奏交织出美妙而富有节奏感的Riff,如同歌曲的骨架。节奏部分(贝斯和鼓)稳健而富有摇摆感,为歌曲奠定了坚实的基础。它不像硬摇滚那样充满攻击性,而是在一种看似随意的律动中,层层递进,最终达到情感宣泄的高潮。
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《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第433位 齐柏林飞艇乐队《漂泊前行》Led Zeppelin-Ramble On MV+LIVE 视频素材来自官网,文稿撰写、歌词翻译、剪辑:声轨锈斑。 这是《滚石》杂志“史上最伟大的500首歌曲”2004版中,第二次出现奇幻童话故事 ,上一次是排名478位杰斐逊飞机乐队的《白兔》( Jefferson Airplane-White Rabbit),该作品契合了经典童话《爱丽丝梦游仙境》。而这一次是齐柏林飞艇的《 漂泊前行》,两个乐队的名字都是飞行道具,不知是不是巧合。 歌曲选自乐队第二张专辑《齐柏林飞艇2》,彼时乐队已凭借着融合了蓝调、硬摇 滚与民谣元素的音乐风格,加上成员们超出常人的演奏技艺,在摇滚乐坛崭露头角 。在巡演途中他们开始创作新专辑,力求勇立潮头,在音乐上有新的突破,在歌词上也想要搞搞新意思。而这个时候,罗伯特·普兰特正非常痴迷托尔金的经典奇幻 作品《指环王》,就像二十多年后贾宏声非常痴迷于他一样,罗伯特·普兰特将个 人经历与《指环王》的故事交织,把爱情叙事置于奇幻背景中,他描写的“我”, 环游世界是为了 “寻回心中的姑娘”。这位姑娘与他有过一段感情,却被 “咕噜 ” 引诱而离去。“咕噜” 这一角色正是出自《指环王》系列。 通篇歌词读下来,有一种武侠RPG游戏的感觉。当然,它更有着冒险成长与探索生命意义的普世主题。吉米·佩奇为首的器乐部分,作用也很大,他们把一首摇滚乐从简单的结构框架中解放了出来,原声吉他的指弹旋律与电吉他的主音旋律交织错 落,无缝衔接,这个强烈的动态对比非常有意思。 总而言之,这首传世名作有着饱满的旋律、精湛的编曲和丰赡的歌词内涵,而这一年,乐队成员吉他手吉米·佩奇25岁,写出这首歌歌词的主唱罗伯特·普兰特才21岁,这是民谣、诗歌、摇滚乐在那个年代的最佳组合。尽管,在80年代后,罗伯特·普兰特自己觉得这个歌词,有一些尴尬和中二。 现场演绎的版本,进一步放大了歌曲的神话色彩与冒险精神。乐队常常在演奏中加入即兴段落,淋漓尽致地展现成员们的精湛技艺——这也导致了很多跟不上他们的年轻人,最后选择了更为简单的朋克音乐。
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《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第430位 冲撞乐队《在哈默史密斯宫的白人》 The Clash - White Man In Hammersmith Palais 1977年6月,冲撞乐队的乔·斯特拉莫以朝圣的心态去伦敦哈默史密斯区综艺馆看一场通宵雷鬼乐演出,结果大失所望,流量明星变成了主角。在这里我们停顿一下,我要说的是,这首歌是音乐风格文化冲突的嘴替,我很能理解斯特拉莫的感受,相当于我去音乐节看摇滚乐队的演出,但舞台被几千个小孩子包围着,台上的说唱歌手又看上去不太聪明的样子。 歌曲从抵达与希望开始,斯特拉莫点名了演出时间后,报出了一连串音乐人名单,宛如一份虔诚的祷告名录:那些 “首次从牙买加远道而来” 的表演者,是他心中的文化图腾。他在歌里引用的四个名字迪林杰(Dillinger)勒罗伊·斯玛特(Leroy Smart)德尔罗伊·威尔逊(Delroy Wilson)肯·布思(Ken Boothe),无一不是当晚演出的牙买加雷鬼音乐黄金时代的先驱,斯特拉莫认为真诚的声音终将被懂得的社群接纳。 但是,希望越大,失望越大,演出转场时都在播放四顶尖合唱团的歌——这个时候,雷鬼还承载着底层人民,尤其是黑人的种族诉求、对贫富差距的批判,是边缘群体的发声工具,而摩城唱片流水线式的流行灵魂乐,早已失去了底层反叛的功能,是取悦大众的消费品。斯特拉莫当时就炸了,非常之不爽,将舞池比作战场,开喷舞台上缺失的反叛精神,从各种肤色的青年到罗宾汉,甚至完成了自我否定——把朋克乐队也攻击了一遍,所有人都在争夺流量,年轻乐队穿着名牌西装,不去考虑艺术的深度,却把反叛精神变成牟利的工具,倒反天罡用豪华轿车去迎接希特勒。 歌曲的最后斯特拉莫应该是精疲力竭或者说耗尽了药效,也认清了自己的身份:像当年猫王去黑人教堂聆听福音音乐一样,他也只是一个白人外来者在别人的文化殿堂里寻欢作乐。 是啊,根源音乐的本真和文化消费的共谋。这一切都是精心设计的表演、包装好的人设,连政治立场都成了可以贩卖的标签。万物即可贩卖,任何音乐都会失去原有的色彩,包括这首朋克与雷鬼风格融合的歌曲。最终,你要么愤然离去,要么坦诚面对自己的欲望与局限。从古至今,皆是如此。
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《滚石》杂志500首最伟大的歌曲排名第434位 威尔逊·皮克特《野马莎莉》 Wilson Pickett-Mustang Sally 视频素材来自官网,文稿撰写、歌词翻译、剪辑:声轨锈斑。 如果硬要让我像个老中医一样来点评,那么我会说:《野马莎莉》是对美国自由精神的呈现——通过“野马”汽车这一意象得以彰显。威尔逊·皮克特在唱莎莉无止境的驰骋时,他其实是在暗喻那个年代对独立自主的热烈渴望。这是对过度放纵的警示,昭示着在追寻自由的道路上,不要迷失方向——你知道灵魂乐的歌词总是在暗喻着一些东西,这个大概是全世界乐评人解读的方向——这听着很无聊,但权威总是很无聊,在这个时候,你就会需要一辆野马汽车。 1964年,福特汽车推出野马系列,第二年,麦克·赖斯创作并推出了这首歌。这当然是绝对意义上的经典歌曲,因为它无缝融入布鲁斯、摇滚和摩城音乐的风格,但最终的拼图,却来自南方灵魂乐的标志性声音——威尔逊·皮克特,他的演唱给这首歌定了标准。在《野马莎莉》中,皮克特展现了他最巅峰的状态。他的演唱在控制与激情间收放自如,巧妙处理主歌部分,讲述着莎莉飞车疾驰的故事,然后爆发进入那令人难忘的副歌,每一声呐喊都像一道命令、一个戏谑的挑战,同时又是一次庆祝。你甚至可以想象一下他在现场是和观众能有怎样的充满活力的即兴互动。而这首歌的编曲,强劲的反拍、有力的铜管乐穿插,以及稳定压倒一切的贝斯线。它是R&B与摇滚乐的完美结合,这个声音影响了从滚石乐队到艾瑞莎·弗兰克林的众多音乐人。这么多年过去了,不管你是初次聆听,或者是这首歌的忠实老粉,我想和你说的一点是,这首歌大概率是在提醒我们拥抱自由、追逐激情,此时此刻,如果你在车上,请调大音量,选择那条更长的路回家。
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